La artista valenciana Ester Olmos presenta, del 4 al 30 de junio, su exposición Veo Veo en la Sala ETSIADI de la Universitat Politècnica de València. La muestra, con entrada libre, reúne una serie de obras que exploran las posibilidades de la pintura más allá del lienzo, situando el foco en el proceso creativo, los materiales y el espacio como parte esencial de la obra.
A través de un lenguaje visual marcado por colores vibrantes, formas abstractas y referencias a los dibujos infantiles, Veo Veo plantea un diálogo constante entre conceptos opuestos: lo espontáneo y lo controlado, la mancha y la línea, la niñez y la vida adulta, o lo figurativo y lo abstracto. La exposición nace de una investigación sobre el arte espontáneo iniciado en la infancia y sobre cómo esa mirada puede trasladarse a la práctica artística contemporánea sin perder complejidad ni profundidad.
En esta entrevista, Ester Olmos habla sobre la experimentación, el proceso creativo y la búsqueda de equilibrio entre extremos que atraviesa toda la exposición, además de su vínculo artístico y personal con Valencia.
La exposición “Veo Veo” plantea un juego constante entre opuestos. ¿Cómo surge en tu trabajo esta necesidad de trabajar desde la tensión entre extremos?
Yo pienso que esta necesidad surge de la búsqueda por un equilibrio entre ambos. Y ya no me refiero tan solo artísticamente, sino en la vida diaria, y en concreto la mía. Converger los extremos significa tener el conocimiento de estos dos puntos opuestos y no rechazar al otro. Estar abierta al cambio sin tener miedo de pisar ningún terreno contrapuesto.
Hablas de recuperar el “arte espontáneo iniciado en la infancia”. ¿Qué crees que se gana (y qué se pierde) cuando ese tipo de mirada infantil se traslada a la práctica artística adulta?
Sinceramente no pienso que haya ninguna pérdida, al menos para mí. Tener esta mirada infantil no significa ver un trazo desenfadado; al fin y al cabo, eso está mucho más ligado al estilo de cada artista. Cuando hablo de esta espontaneidad de la infancia, me refiero especialmente a construir un proceso creativo el cual tenga como objetivo experimentar. Tener esa misma curiosidad por probar, sin prejuicios, como hacen los niños cuando empiezan a pintar.
Por otro lado, no se trata de deshacer lo ya aprendido ni dejar de pensar como un artista adulto, sino no olvidar que el arte no es tan sólo un resultado bonito.
En esta serie das mucha importancia al proceso, al material y al espacio, no solo al resultado final sobre el lienzo. ¿Cómo condiciona eso tu forma de pintar y de tomar decisiones durante la creación?
Tomo las decisiones en base a lo que quiero en el momento. No me condiciono en cuanto a material, ni composición, ni color. Cuando monto y pinto mis obras decido que son buenas porque pienso que el proceso me ha gustado y que he aprendido, sino la pieza no es buena para mí. El proceso siempre se verá reflejado en cómo concibo el resultado.
La experimentación con el color y los materiales es central en tu propuesta. ¿Hay descubrimientos recientes en tu práctica que hayan cambiado tu forma de entender la pintura?
Digamos que en cada pieza nueva voy dando pasos pequeños. Puede que no se perciba en todas, pero en cada una de ellas voy cambiando algo o experimentando una técnica diferente. Las obras que presento en mi exposición van desde hace 3 años hasta la actualidad, pero claramente el proceso hasta llegar a la actualidad ha sido mucho más largo. Al fin y al cabo, llevo pintando desde que soy pequeña y mi estilo ha evolucionado mucho.
Por otro lado, en concreto en estos tres años, he ido probando y decidiendo materiales que me gustan más o menos, colores que uso con un tipo de trazo u otro... Pero lo importante es que todos estos cambios no son totalmente definitivos.
La exposición tendrá lugar en la Sala ETSIADI de la Universitat Politècnica de València. ¿Qué significado tiene para ti mostrar este trabajo en un contexto universitario y vinculado a la ciudad de Valencia?
Me gustó la sala cuando la vi por la amplitud que tiene, ya que mis cuadros suelen ser bastante grandes, pero también porque todo este estilo empezó en el ámbito universitario, y en especial en Valencia. He estado viajando por muchos lados desde hace ya años, pero siempre he sido consciente que mi cultura es la valenciana y mi estilo artístico viene de aquí: del clima, los colores y de todo lo que he aprendido gracias a mi familia y amigos de Valencia. Es por eso que me hace especial ilusión que mis cuadros se puedan ver donde todos ellos los puedan disfrutar.
En un momento en el que lo visual tiende a ser rápido y digital, tu obra reivindica lo físico, lo gestual y lo material. ¿Qué tipo de experiencia esperas que tenga el público cuando vea tu trabajo?
Espero que se paren a observar. Mi obra tiene un tema y un significado en el que me apoyo, y no lo puedo negar. Cada forma y mancha hace referencia a algo físico, pero el hecho de que cueste distinguir estas figuras me gusta porque también las deja abiertas a que el público indague. Que se pare a adivinar qué es lo que ven. Como cuando un niño pinta un león y tú ves a un monstruo. Es por eso que espero que el público disfrute de esta búsqueda y se inunden en las formas y colores tan llamativos.
